论摄影摘录（1）——柏拉图的洞穴

这几天一直在考虑是否升级相机到 DSLR，可是始终找不到投入 1w+ 的理由，后来就开始思考自己的目的性，想来想去都很犹豫，于是决定找本相关的书看看，于是这本苏珊·桑塔格的《论摄影》就自然而然的进入了我的视线。这里摘一些言论出来：

• 摄影现在为人们提供大部分缅怀过去审视现在的知识。
• 如今，摄影几乎已经像性和跳舞一样被视作一种娱乐。这就意味着，和其他群众性艺术形式一样，摄影并未被大多数人看作一种艺术。它主要还是一种社会礼仪，一种抗拒焦虑的屏障和一种力量的工具。
• 摄影最早的普遍功用是纪念作为家庭成员的个人（以及其他团体成员）所取得的成就。
• 由于摄影给人以一种把握住了非真实的往昔的幻觉，他们也就帮助人们把握住了不牢靠的空间。因而摄影便于最具有当代特征的活动之一——旅游业——相辅相成的发展起来。
• 摄影即是一种确证经历的方式，同时也是一种否定经历的方式。它可能会将经历限制在纯粹拍照的范围之内，或者是将经历转换成一个概念，一个纪念品。旅游变成了收集照片的一种策略。拍照活动乃是一种慰藉，是平复那种很可能由于旅行而加剧的普遍的迷茫情绪。大多数旅游者都会在不期而遇的任何新奇事物面前举起照相机。不管结果如何，他们拍照就是了。
• 摄影基本上是一个非介入性的活动...介入者不能记录；而记录者又不可能介入...即使从屋里的角度而言无法介入，使用照相机仍然是某种形式的参与。尽管照相机只不过是一个观察站，摄影的行为却绝不仅仅是被动的观察。就像窥淫癖那样，它至少心照不宣地、往往还是直截了当地鼓励眼前所发生的无论什么事情继续进行下去的一种方式。拍一张照片即使对事件的情形感兴趣，对尚未变化的当下状况感兴趣（至少持续一段足以拍到一张“好”照片的时间），是一种共谋，无论如何也要使得作品有意思，值得一拍——只要它有意思，哪怕是别人的痛苦或者是不幸也在所不惜。
• 我总认为摄影是一件下流的事——那也正是我最喜欢它的原因。
• 作为男性生殖器象征的照相机顶多是不可避免的隐语的一个没有价值的替代品。它暗示着每个人都下意识地使用这个隐喻。无论我们对这种幻觉的意识多么模糊，每当我们谈论起为照相机“上卷”和“对准”以及“拍摄”胶片这些术语时，都是赤裸裸地命名的。
• 不过拍照的行为还是具有某种掠夺性。给人拍照便是冒犯别人：那种看人的方式仿佛别人从而这样看待过他们自己一样；了解人的方式也仿佛别人从未这么了解过他们自己。它将人变成了可以象征性的拥有的物体。正如照相机是枪支的升华物一样，给某人拍照也是一种升华了的谋杀——一种温和的谋杀，适合于悲伤、可怕的时光。
• 当我们害怕时，我们会开枪射击。而当我们缅怀过去的时候，我们则会去拍摄照片。
• 如今正是怀旧的时光，摄影术积极地推动了怀旧的情怀。摄影是一种追魂的艺术，一种薄暮时分的艺术。仅仅是由于被拍摄下来，大多数作品便带有了哀婉或者悲怆的色彩。丑陋或者怪诞的主题可能会感人，因为它被摄影家的注意力升华了。优美的主题可能会成为悲哀的对象，因为它年深日久，或式微，甚至不存在了。凡照片都是消亡的象征。拍照片便是参与进另一个人（或者事物）的死亡，易逝，以及无常当中去。通过精确的分割并凝固这一刻，照片见证了时间的无情流逝。
• 照片既是虚拟的现实，也是一份缺失的表征。又如室内的炉火一样，照片——尤其是人像、远方的风景和遥远的城市以及好景不再的过去的照片——乃是引人遐想的刺激物。由照片引起的不可得感径直进入到对某人的性爱情感之中，这种欲望由于距离感而得到了强化。
• 照片乃是一则空间和时间的切片。在一个由摄影形象支配的世界里，所有的界限（“框架”）俨然都是专断的。一切事物都可以与其他事物分割，可以被切断。所需要的只不过是将事物以不同的方式框起来。（反过来任何事物也可以使之与任何其他事物毗连）摄影强化了一种社会现实的唯名论观点，认为社会显然是由无数个小的单位所组成。这个世界通过照批那儿成为一系列互不相关的、独立的粒子，而且历史、过去和现在，成为一套轶事和社会新闻。照相机将现实分解为原子，使之可以操纵，变得晦涩。它是一种拒绝联系和连续性，但又赋予每一刻以神秘性质的世界观。任何照片都具有多重意义...照片自己什么也不会解释，但他会不倦的邀请人们去进行演绎、推测和想象。
• 对世界的摄影知识的界限是，如果它可以刺激意识，那么它终究不能成为伦理的或者政治的知识。通过静止的照片获取的知识往往是某种感伤主义的东西，要么玩世不恭，要么就是人本主义的。那会是一种廉价的知识——一种佯装的知识，一种佯装的智慧；因为摄影的行为乃是一种佯装的挪用，一种佯装的强奸。照片中缄默不语的假设可以理解的东西正是构成它们的魅力和刺激性的所在。无所不在的照片对我们的道德有着难以估量的影响力。通过为这个拥塞的世界提供复制形象的方式，摄影使我们觉得这个世界比事实上更好把握。
• 对美、对结果寻根究底、以及对补偿和歌颂世界机体的极度渴求——所有这些色情的情感因素都在我们摄影的乐趣中得到了确证。而其他较少释放性色彩的情感同样也得到了表达。说人们对照片具有强制性是不会错的：要将经验本身转变为一种观看方式。具有某种经验最终变得与将其拍摄成照片相一致，而参与某一公益活动变得越来越与以照片的形式来观看它相等同。
  

很多时候差距是这样的...

看到 luminous-landscape 上某人的照片之后，发现这些人为了一张完美的照片是如何计划的了，从时间（月圆）到人为因素（雇渔夫），这才叫 professional，人家是靠这东西吃饭的，而我们始终只是另外一种玩法。所以才会有人挖空心思玩一些自己能支付得起的名堂，而不是学着人家走人家的路线。

那么，企图用不同的路线弥补自己某些方面的先天不足可行吗？我可以走什么路线呢？

光照

光照来自巴巴变上的demonstrate

光照是我们有时候可遇而不可求的。比如这张照片，阳光从该女士的侧后打过来，照理说她的脸上是没有光线直接入射，理应比较黑，但事实上在我身后有一幢巨大的浅色建筑，这成为了一个巨大的反光板，反射的阳光成为她脸上补上了充足的光线。

利用好周围的环境，调动光线是值得思考的问题。

Cigarettes

Cigarettes来自巴巴变上的demonstrate

拍的时候并没有这个 idea，拍完之后想到这张照片可以用于这样一个场景，注意到路灯、车灯等在慢速快门下可以划出直直的白色块，这和香烟的本体是十分相近的，车窗上的香烟明显有个 no smoking 的意味，那么如果可以通过车外多辆车、路灯产生更多的白色块以及车窗反射出一个叼着烟的人，配上车窗上的雨点，一定是非常戏剧性的场景，那时就该改名为 No smoking, please 了。不过这边没有人在公共场所肆无忌惮的抽烟，同时下雨的日子也不算多，呵呵，以后继续寻找这样的决定性瞬间吧。

读 Been there---Done that

这篇文章提到这么一个问题，这也是我每次到某处拿起相机想到的问题，我拍的东西都被人无数次的拍过了，还在乎我这一张么？我能拍出与他们不一样的么？

是的，这个世界也许不再需要我再去拍一张那个位置了。现在由于数码技术的发展，很多题材的照片都被人过多的拍摄了。文章提到了英国原来使用专利措施，由于过多地人申请其实已被申请过的专利，导致最后干脆就不要专利局了。

最后回答这个问题的论调就是，哦是的，那些照片上都有，但是不是我拍的啊！即使我拍得不如别人的，但是那时那个地方我做了那件事情就够了。不过最终要做好必须 break the mold，从大师的作品中模仿他们的意图，最终产生自己的想法。

这就是 art 的特征，只有不断的实践才能有提高。

从彩色照片转黑白照片的小技巧

在 ps 里面可以直接通过 Image -> Mode 换成 gray scale，但是这样转换往往会忽视各个颜色通道的信息，比较高级的转换是通过添加一个 mix channel 来实现，也就是通过 Layer -> New Adjustment Layer -> Channel Mixer，在该 channel 中可以通过调整各个通道的比例获得类似于黑白摄影中添加滤镜，对各种颜色获得不同于真实的光比，从而达到需要的效果。

这是对 channel 的了解不够的原因，我需要尽快了解 PS 各个 Layer 和 channel 的作用。

读 Abstraction

在 Abstraction 这篇文章中，提到 the camer never lies 这样一个论题。很多时候我们安慰自己，这张照片不咋地，但是用来记录挺好，所谓记录也就是希望自己的照片更加客观地把被拍摄物体记录下来，其实我们的相机本身已经处理过了，该文提到了几个最常见的效果：

• 镜头，长焦镜头使得空间感被压缩，主体和较远物体之间的距离减少；广角增强了不同远近物体的大小比例，距离感。
• 相机的位置，那句话说的经典，the painter includes while the photographer excludes。
• 快门速度，选择那个时间段的物体被记录下来，决定了物体是清晰还是模糊。
• 光圈，由于人眼会自动对焦，人们在观察世界的时候感受不到照片上那种主体和背景相分离的特点，但这并不影响人们欣赏照片。选择光圈产生需要的景深。
• ISO，高的 ISO 意味着更多噪点，更大的颗粒度，但是这往往却能给一些照片特殊的感觉，而人观察时是没有这种感觉的。

这些其实都告诉我们，照相就是一个主观的事情，期望它客观的记录是我们自己的一厢情愿。因此，要学会摄影，就是要学会如何主观的看我们的世界，看得让其他人也觉得有意思。

另外文中也提到了一个 film vs. digital 的问题，还把 ps 和使用反转片类比了一下，这都是很有意思的思考。